La tormenta de Dios

Cuando uno sabe que Life of Pi (2012), de Ang Lee, trata sobre un muchacho que naufraga en una lancha con un tigre a bordo, la primera parte parece una larguísima y aburrida introducción, por lo que se trata más bien de dos películas en una: la primera, sobre religión, dura media hora, y la segunda, con una transición de cinco minutos, antes del violento y dramático vuelco, es el momento esperado: la aventura… en tal caso, ambas películas están entreveradas con una plática entre el protagonista hindú Pi Patel y el escritor canadiense Yann Martel, autor de la novela homónima en que se basa este relato visual, obra maestra de los llamados «efectos especiales», que pocas veces son usados en el cine para hacer arte, al menos como aquí, en donde la magia de las imágenes y el sonido envuelve al espectador y crea poesía y emotividad en tercera dimensión.

La fotografía del chileno Claudio Miranda es majestuosa, aunque a ratos embriaga su preciosismo, y algunas escenas o secuencias son demasiado irreales, especialmente cuando emerge luz del fondo del agua, tanto mar adentro como dentro de la «isla carnívora». La fotografía de Life of Pi —en equipo de conjunto con los «efectos especiales»— ganó el Óscar y el BAFTA, premios a los que había sido candidato Miranda por El curioso caso de Benjamin Button (2008), de David Fincher.

Nominada en once categorías, la película ganó también «el máximo galardón» para mejor director, mejores efectos visuales y mejor banda sonora, entre otros laureles, que suman 50 en total. Dichos efectos son obra de Bill Westenhofer, Guillaume Rocheron, Erik-Jan De Boer y Donald R. Elliott, quienes hablan de su trabajo con Ang Lee en un interesante y apasionante documental que acompaña el largometraje en el disco de video digital (DVD). La música es de Mychael Danna.

El director taiwanés tiene una filmografía tan variada como El tigre y el dragón (2000), Hulk (2003) y Secreto en la montaña (2005), películas por las que —a excepción de Hulk— había recibido múltiples premios (Óscar, Globo de Oro y BAFTA, entre otros), cada uno en varias categorías. El tigre y el dragón forma parte de mi decálogo personal.

Técnicamente, Life of Pi es una maravilla, pero también merece algunas críticas: Para empezar, los tres actores que encarnan a Pi en tres edades son muy diferentes; el intermedio y más importante de los tres, Suraj Sharma, no es del todo convincente, quizá por carecer de experiencia previa; en el barco, al comenzar la tormenta, parece que actuara su falta de equilibrio, como borracho, y al “entrenar” al tigre de bengala en la lancha, es un imitador de Bruce Lee… Durante el naufragio, sigue presente la religión y, mientras al pobre tigre se lo lleva el diablo bajo la tormenta de Dios, el joven se comporta como un fanático… La plática del protagonista con el escritor es algo sensiblera y nos recuerda el relato de la anciana que sobrevive al hundimiento del Titanic.

Aunque el tema es hindú, la novela está escrita en inglés y ha sido traducida al francés, no así al hindi; la producción cinematográfica es gringa y por eso la película, con guión adaptado por David Magee, sobre todo para el público gringo, también está en inglés, con acento hindú y muy pocos diálogos en hindi y francés. Personalmente, me habría gustado más que los personajes hablaran sus respectivos idiomas, como en El tigre y el dragón… Por el guión de Life of Pi, Magee obtuvo el Premio Satellite de la Academia Internacional de Prensa, además de ser nominado al Óscar y al BAFTA, entre otros galardones.

Publicada en 2001, la novela tiene también una edición ilustrada en 2007 por el croata Tomislav Torjanac, así como una adaptación al teatro, de producción inglesa, escrita por Andy Rashleigh y dirigida por Keith Robinson.

Ojalá que no haya sido necesario recurrir al maltrato animal para rodar La vida de Pi, como es titulada en España, o Una aventura extraordinaria, como lo es en Hispanoamérica.

Una bella película en general.

Life-of-Pi

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Lo bueno, lo malo y lo feo del Óscar 2013

oscar 2013

Como dije, me alegra que Argo, de Ben Affleck, haya ganado el Óscar para mejor película, en vez de Lincoln, de Steven Spielberg, o Los miserables, de Tom Hooper, pero entre las nominadas en todas las categorías lo mejor que he visto es Beasts of the Southern Wild (Bestias del sur salvaje), ópera prima de Benh Zeitlin, titulada en México Una niña maravillosa y en Argentina La niña del sur salvaje. La película es maravillosa, especialmente por la actuación de Quvenzhané Wallis, un auténtico fenómeno actoral a los seis años de edad, tanto que no parece actuar, aunque su papel no sería tan convincente si no fuera por la dirección de Zeitlin (también joven, de 30 años) y el guión de Lucy Alibar y el propio director, que alimentan el alma con diálogos y monólogos infantiles de gran belleza por su compleja sencillez en equilibrio, con ingenio, buen humor y hasta poesía. Alibar es autora de Jugoso y delicioso, la obra teatral de un solo acto en que se basa esta joya de 92 minutos, postulada para mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor guión adaptado, que no ganó en ninguno de los cuatro casos, aunque lo merecía.

La cinta de Affleck obtuvo el Óscar para mejor guión adaptado, al que también aspiraba la de Spielberg. Otra nominada en esta categoría y para mejor película era Life of Pi, de Ang Lee, que obtuvo el Óscar para mejor director, por el que suspiraba Spielberg, y me alegra que no lo ganara. No he visto Una aventura extraordinaria, como fue titulada la cinta de Lee en Hispanoamérica, pero si el cineasta taiwanés fue capaz de algo tan extraordinario como El tigre y el dragón (2000), no dudo que su aventura también lo sea.

La ganadora del Óscar para mejor actriz es Jennifer Lawrence por su papel en Silver Linings Playbook (El lado bueno de las cosas en España, Los juegos del destino en Hispanoamérica y El lado luminoso de la vida en Argentina y Uruguay), de David O. Russell, que tampoco he podido ver, pero dudo mucho que la actriz supere a la niña maravillosa, que habría sido la más joven entre quienes han recibido este premio. Emmanuelle Riva, en el otro extremo (cumplía 86 años el día del Óscar), tiene una actuación perfecta en Amor, escrita y dirigida por Michael Haneke. Naomi Watts contendió con pocas posibilidades por su excelente desempeño en Lo imposible, de Juan Antonio Bayona, una cinta menor. Jessica Chastain fue postulada por La noche más oscura, de Kathryn Bigelow, nomás para completar la terna; la película es interesante por su argumento (el final es la muerte de Osama bin Ladem), pero Chastain parece introspectiva y prácticamente carece de proyección…

No estoy de acuerdo con el Óscar para mejor actor a Daniel Day-Lewis (el tercero en su carrera) por la débil personalidad de Abraham Lincoln, aunque tampoco veo alternativas. La actuación de Jean-Louis Trintignant en Amor no es menos loable que la de Riva, pero ni siquiera fue nominado. Ambos octogenarios se roban el corazón en esa melancólica cinta sobre la vejez, el amor, la enfermedad, la eutanasia, la soledad, la vida y la muerte. Por lo visto, en 2012 no hubo grandes actuaciones masculinas…

El Óscar para «mejor actriz de reparto», en cambio, era tan predecible como para «mejor actor de reparto», pues si algo tienen en común Anne Hathaway en Los Miserables y Christoph Waltz en Django sin cadenas, de Quentin Tarantino, es que sus papeles, más que secundarios, son tan primarios como los protagónicos, y están bien representados, aunque Hathaway destroza la canción «I dreamed a dream», como es normal en el imperdonable fiasco musical. Por lo demás, ninguno de los dos es comparable con Christian Bale, que ganó el año pasado en esta categoría por su destacada participación en El peleador (2010), de David O. Russell, actuación «de reparto» que deja en segundo plano a la principal.

El Óscar para mejor película extranjera tiene algo de controvertible, así haya sido Amor (Austria) la ganadora. Con la incongruencia de que Affleck no fuera postulado como mejor director, mientras la «Academia» de Hollywood decidía premiar su película, que se refiere a la ruptura de relaciones diplomáticas entre Irán y Estados Unidos, la misma «Academia» eliminó de la contienda Un terrón de azúcar, de Seyyed Reza Mir-Karimi, película iraní preseleccionada, junto con Insurgentes, de Jorge Sanjinés, una cinta propuesta por Bolivia, que tampoco pasó a mayores.

El Óscar por «mejor diseño de producción», que antes se llamaba «dirección artística» y de lo cual carece la cinta de Spielberg, fue para que —más allá de su actor protagónico— Lincoln no se fuera con las manos vacías, así que lo perdieron Los miserables y Una aventura extraordinaria, pero esta última se alzó en el rubro de mejor fotografía, donde también competían Lincoln y Django sin cadenas, que ganó en la categoría de mejor guión original, como era de esperar. Segundo Óscar para Tarantino, tras el de Pulp Fiction (Tiempos violentos) en 1994, también por el guión.

El Óscar por «mejor diseño de vestuario» fue para Anna Karenina, de Joe Wright, que no he visto porque será estrenada en México hasta marzo (aquí siempre llegan tarde las películas y su retraso fomenta la piratería), pero me alegra que dicho premio tampoco fuera para Los miserables, Lincoln o Blancanieves y el cazador… aunque en el papel de Karénina prefiero a la fascinante Sophie Marceau de la versión gringa (1997) que a la mediocre Keira Knightley de la versión inglesa (2012).

En «maquillaje y estilismo de peinado», como se llama desde ahora lo que antes era simplemente maquillaje, ganó Los Miserables, desgraciadamente, pero perdió Hitchcock, de Sacha Gervasi, afortunadamente. Los maquillistas del fiasco musical envejecieron a Jean Valjean hasta el final, cuando muere, pero detalles así pasan desapercibidos por los dizque académicos, que nominaron en esta categoría la caricaturesca caracterización de Alfred Hitchcock… Cuando John Chambers, el maquillista de El planeta de los simios (1968), de Franklin J. Schaffner, y su respectiva saga —como sabemos hoy gracias a Argo—, hacía disfraces para la CIA, el Óscar en este rubro ni siquiera existía.

Mejor canción original: «Skyfall», de Adele, que no me parece la gran cosa, pero me alegra que no fuera «Suddenly», de Los Miserables. El Óscar en este caso parece premiar los 50 años de James Bond, cuyas películas han tenido múltiples nominaciones al galardón, pero lo habían ganado nada más Goldfinger (1964), de Guy Hamilton, y Operación Trueno (1965), de Terence Young, la primera por sus efectos sonoros y la segunda por sus efectos visuales. Entre las canciones de la franquicia, mi favorita es «For your eyes only» (1981), de Sheena Easton, cantante irlandesa con la que soñaba entonces.

En «edición de sonido» empataron Skyfall, de Sam Mendes, y La noche mas oscura, lo cual me parece una patraña, pero me alegra que Los Miserables no estuviera postulada; lo aberrante, como he dicho, es que lo estuviera, en cambio, para «mejor mezcla de sonido» y, peor aún, que ganara. ¿Cuál es la diferencia? ¿Para eso dividieron el rubro de sonido, ahora con altos grados de especialización?

Finalmente, Lincoln ganó sólo en dos de las doce categorías en que fue nominada, y se desinfló. Con once nominaciones, Una aventura extraordinaria ganó en cuatro. Los miserables ganó en tres de ocho categorías, y sigue inflada. Argo se alzó en tres de siete. Y Una niña maravillosa, la mejor de todas las películas, no ganó en ninguna de las cuatro categorías.

Bestias del sur salvaje

La ganadora del año

argo

Con serias reservas, como siempre, me alegran algunos de los premios Óscar en esta ocasión. El más importante de todos es para la mejor película del año y lo obtuvo Argo, de Ben Affleck, que dramatiza un caso desclasificado por la CIA: el rescate de seis diplomáticos gringos en Irán durante la llamada «crisis de los rehenes». El 4 de noviembre de 1979, la embajada de Estados Unidos en aquel país de Medio Oriente fue tomada por manifestantes enardecidos; seis ocupantes salieron a tiempo y se refugiaron clandestinamente en la casa del embajador de Canadá. Para sacarlos de Irán, la CIA montó la farsa de un proyecto cinematográfico titulado Argo, para el que su equipo de producción, supuestamente canadiense, buscaba locaciones. Affleck produce, dirige y actúa esta interesante revelación y comparte el Óscar con George Clooney y Grant Heslov como productores.

Basada en el libro El maestro del disfraz: Mi vida secreta en la CIA, de Antonio J. Mendez, la cinta ganó también en la categoría de mejor guión adaptado por Chris Terrio, y es abiertamente crítica de la política gringa en Irán, en particular por el apoyo al monarca depuesto en febrero de aquel año por la Revolución iraní, Mohammad Reza Pahlavi, política y apoyo que atizaron el rencor hacia Estados Unidos y justificaron el asalto a la sede diplomática, meses después.

Curiosamente, fue Michelle Obama quien anunció vía satélite desde la Casa Blanca el Óscar para Argo, pero Affleck no fue nominado como mejor director, ni siquiera por haber arrasado con todos los premios anteriores en ese rubro: Globo de Oro, BAFTA, Sindicato de Directores de Estados Unidos y Critics’ Choice Movie Awards. Al respecto, el conductor de la ceremonia, Seth MacFarlane, hizo una sardónica broma: “Argo trata sobre una operación secreta, tan secreta que su director es desconocido para los académicos”.

La cinta recibió un tercer Óscar por el trabajo de William Goldenberg en el montaje.

Personalmente, me alegra el Óscar para mejor película por los méritos de Argo, pero también porque supone un fracaso para Lincoln, de Steven Spielberg, y Los miserables, de Tom Hooper, grandes favoritas en este renglón. Lincoln tampoco ganó en la categoría de mejor director, pues el galardón fue para Ang Lee por La vida de Pi, o Una aventura extraordinaria, mientras que Los miserables ni siquiera fue nominada.

Segundo Óscar para Affleck; el anterior fue por el guión original de Good Will Hunting (1997), escrito al alimón con Matt Damon, ambos actores de aquella cinta, que dirigió Gus Van Sant. Clooney había ganado un Óscar por su actuación en Syriana (2005), de Stephen Gaghan.

Argo merece también algunas críticas: Para empezar, Affleck no es un gran actor, y su personaje —Tony Mendez, el autor del libro— parece precisamente eso, un actor con ínfulas de galán, más que un agente secreto… El ritmo decae ligeramente cuando la trama recae en Hollywood… No está del todo claro por qué una compañía canadiense tenía oficinas allí… El alcoholismo como tendencia parece adquirir carta de naturalidad en la cinta… Es inexplicable que los guardias del aeropuerto ni siquiera intentaran que el avión en que se iban los diplomáticos regresara…

Entre las nominadas, otra película que devela entretelones de la CIA en sus pesquisas desde el 11-9 de 2001 hasta la muerte de Osama bin Laden en mayo de 2011, pasando por los interrogatorios con torturas a los presos en bases militares como la de Guantánamo, es Zero Dark Thirty (La noche más oscura), de Kathryn Bigelow. En ambas cintas, el actor Kyle Chandler tiene casi el mismo papel…

En fin. Ya comentaremos más. Por lo pronto, es todo.

Dos ejemplos de cine alternativo

Monster_movieAl margen de la producción cinematográfica sobre todo comercial, en la que Hollywood invierte más dinero que talento y nos satura con su estridencia publicitaria, he visto algunas propuestas interesantes que podría considerar como cine alternativo, acaso menor por su bajo presupuesto, pero artísticamente superior. Monster (2003), escrita y dirigida por Patty Jenkins, es una de ellas. The Fighter (2010), de David O. Russell, también. Estas películas, además de ser gringas, tienen en común sus excelentes actuaciones y estar basadas en hechos reales.

«La Damisela de la Muerte»

Titulada en español Asesina serial, la primera narra parte de la historia de Aileen Wuornos, una prostituta que asesinó, por lo menos, a siete hombres en 1989 y 1990, luego de ser ultrajada por el primero de ellos con inopinada brutalidad. Detenida en 1991 y condenada a muerte por el estado de Florida en 1992, la mujer fue ejecutada en 2002, al cabo de once años en la cárcel.

Charlize Theron encarna extraordinariamente al personaje. Hasta entonces, la actriz sudafricana era conocida por su primer papel protagónico en El abogado del diablo (1997), de Taylor Hackford, su participación en Mi gran amigo Joe (1998), de Ron Underwood, y su colaboración con Woody Allen en Celebrity (1998) y La maldición del escorpión de jade (2001), entre otros trabajos.

Jenkins y Theron leyeron las notas de Wuornos escritas en prisión, que en conjunto constituyen una extensa autobiografía, y recorrieron juntas los lugares en donde estuvo Wuornos durante 1989 y 1990, que fueron locaciones después y, entre los extras, se presentó a diario gente que había tenido alguna relación con Wuornos.

La actriz tuvo una transformación asombrosa, para la cual subió trece kilos y, en el rodaje, usó una capa de piel sellada sobre el rostro, dentadura falsa y pupilentes, además de maquillaje y peinado, pero más allá de la simple apariencia física, Charlize asumió fielmente la personalidad de Aileen, extrayéndola de imágenes en video y numerosas fotografías; su principal referencia fue el documental Aileen Wuornos: The Selling of a Serial Killer (1992), de Nick Broomfield.

Por su actuación (calificada como “la mejor de la historia” por The New York Times, New York Post, Chicago Sun-Times y Variety), ganó el reconocimiento de la crítica y del público a nivel mundial, así como veinte premios y una nominación al BAFTA, entre ellos el Óscar, el Globo de Oro y el Oso de Plata, todos en la categoría de mejor actriz, con excepción de uno por el mejor beso, galardón compartido con Christina Ricci, quien dio vida a Shelby Wall, amante de Wuornos en la cinta y cuyo verdadero nombre es Tyria Moore (su nombre, edad y apariencia fueron modificados por razones legales).

Jenkins había escrito y dirigido los cortometrajes Just Drive y Velocity Rules, ambos en 2001. Entre 2003 y 2005, su ópera prima como largometraje obtuvo en total treinta premios y nominaciones. En los créditos, Theron aparece además como productora.

Christina Ricci, por su parte, debutó a los diez años de edad en Sirenas (1990), de Richard Benjamin; ha trabajado con directores como Allen y Ang Lee, y cuenta con múltiples premios; a los 19 años comenzó a escribir y dirigir películas en las que actúa…

Monster, por tanto, une a grandes talentos.

«El Irlandés»

Con tres títulos distintos en español, The Fighter trata sobre la carrera de Micky Ward, un boxeador entrenado por su medio hermano, Dicky Eklund, y manejado por su madre, Alice Ward, cuyos papeles son protagonizados por Mark Wahlberg, Christian Bale y Melissa Leo, respectivamente. Dicky fue boxeador antes que Micky y, al parecer, noqueó a Sugar Ray Leonard, pero ahora es un drogadicto…

Lo mejor de la película, sin duda, es la actuación de Christian Bale, que había tenido también una transformación impresionante en El maquinista (2004), de Brad Anderson, al perder treinta kilos y recuperarlos para encarnar a Batman un año después. En The Fighter, aunque menos, también está flaco, además de calvo, chimuelo y demacrado. La caracterización física, sin embargo, como aspecto parcial de la versatilidad histriónica, no sería suficiente sin una expresividad convincente, y la capacidad interpretativa del actor inglés en estas dos películas (a diferencia de Batman) está fuera de serie; habla más y mejor de su calidad actoral el cine alternativo que mafufadas como The Dark Knight Rises (2012), de Christopher Nolan.

Por su desempeño en The Fighter, Bale ganó un Óscar, un Globo de Oro y un Premio del Sindicato de Actores, los tres como reconocimiento al mejor actor de reparto, y fue nominado al BAFTA en la misma categoría. Como mejor actriz de reparto, Melissa Leo consiguió los mismos galardones, a los que fue nominada Amy Adams por el papel de Charlene Fleming, la novia de Ward. Sugar Ray Leonard hizo un cameo. Y The Fighter fue candidata, entre otros, a los llamados «premios de la Academia» para mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor montaje.

El peleador, como fue titulada en México, El ganador en Argentina, El vencedor en Chile y The Fighter en España, fue rodada en menos de un mes y medio, entre el 13 de julio y el 26 de agosto de 2009, pero el guión tardó años en nacer y los actores se prepararon también durante años para dar vida a sus personajes, en particular Mark Wahlberg, entusiasta promotor del proyecto, quien empezó a entrenar en 2005, involucrándose inclusive en la producción, que tuvo varios retrasos; con todo, su actuación resulta finalmente la parte débil de la película… Matt Damon y Brad Pitt fueron considerados para el papel de Eklund, encarnado por Bale sin parecido alguno, pero con mayor presencia que los otros tres.

Russell había escrito y dirigido Tres reyes (1999), en la que trabajó por primera vez con Wahlberg, así como Extrañas coincidencias (2004), entre otras. La primera es considerada por el crítico de cine Roger Ebert como “una extraña obra maestra” sobre hechos siguientes a la guerra del Golfo (1991), mezcla de acción, humor y crítica política, mientras que la segunda es “una comedia de corte surrealista y existencialista que se mofa de las modas terapéuticas contemporáneas”.

Para fortuna del público exigente, este año veremos nuevamente a Bale bajo la dirección de Russell, protagonizando a un personaje de la vida real, artífice del fraude financiero antes de colaborar con el FBI en la captura de otros delincuentes de cuello blanco.

Por último

Los premios no siempre hacen justicia, y el Óscar especialmente carece de credibilidad, pero sirvan por su acierto en estos casos como parámetro referencial. Tampoco el presupuesto habla siempre de calidad; a veces por el contrario (el síndrome de Spielberg es más bien cantidad a falta de calidad). The Dark Knight Rises, por ejemplo, costó 250 millones de dólares (!), mientras que The Fighter requirió de 25 millones, es decir, diez veces menos. Con el costo de aquella es posible hacer diez películas como ésta y más aún como Monster, cuyo presupuesto fue de ocho millones, o sea, ni siquiera la tercera parte que The Fighter. Con lo que gastaron Christopher Nolan y Emma Thomas en su dispendioso bodrio es posible costear 31 películas como la de Patty Jenkins.

fighter

El Asesino del Zodiaco y la homosexualidad

He visto Zodiaco (2007), de David Fincher. Algo me recordó a Capote (2005), de Bennett Miller. En Capote, un asesino condenado a muerte comenta que ha donado sus órganos. “Un día de estos -le dice a Truman Capote- alguien te verá con estos ojos en la calle”. Quizá no sea textual, pero la idea me impresionó tanto que salí del cine pensando en ella y, dos años después, era lo único que recordaba de la película. Lo demás lo había olvidado, aparentemente, hasta hace unas horas, que sus similitudes con Zodiaco (cinta que además coincide con la reapertura en la vida real del caso al que se refiere) me lo recordaron. Capote fue un periodista y escritor homosexual, alcohólico y drogadicto, por ejemplo, como uno de los reporteros que cubren el caso del Asesino del Zodiaco a fines de los sesenta y principios de la década siguiente. El caricaturista que, años después, escribe el primer libro al respecto (en el que se basa la película, por cierto), según la personalidad que le confiere el actor principal (el mismo de Secreto en la montaña, de Ang Lee, sobre un romance entre dos vaqueros), también es homosexual. El detective que investiga el caso hasta fracasar definitivamente, por lo menos habla como homosexual. El asesino serial que los obsesiona es un “homosexual latente”, al decir del reportero alcohólico y drogadicto, así como “un pervertido”, según el eufemismo que usa la policía para referirse a su pedofilia.

Esta película me recordó también a El buen pastor (2006), solo por el hecho de que su director, Robert de Niro, “denuncia” los antecedentes homosexuales de la CIA y parece que saliera del closet él mismo. Por su intrigante rebuscamiento, la asocié además con El Código Da Vinci (2006), de Ron Howard, que redunda en suficientes conspiraciones como para que el espectador termine cansado y aburrido, agobiado por el tedio al cabo de casi tres horas sentado. Las tres películas tienen esa característica en común, aunque en El Código… no campea tanto la homosexualidad como en las otras dos, y acaso la única diferencia entre ellas y Capote, en cuanto a las inclinaciones sexuales de los personajes, sea el abierto reconocimiento en este caso y la tímida insinuación en los otros dos (Zodiaco y El buen pastor). Suele ocurrir que actuaciones tan grisáceas como las de estas dos películas acaban representando, quizá involuntariamente, a personajes homosexuales o por lo menos ambiguos (a veces parecen más bien retrasados mentales). Lo curioso, en estos casos, es que todos los personajes con esa tendencia tienen una vida conyugal en apariencia “normal”. ¿Por qué? ¿Por hipocresía deliberadamente actuada o debilidad actoral? Lo cierto es que Zodiaco, en particular, transmite la sensación de que los actores están tensos al principio y no pueden desenvolverse con soltura, lo que no sucede hacia el final, cuando los personajes se comportan con más naturalidad…

Pero la película me recordó a Capote, principalmente, más que a El buen pastor, el segundo trabajo de Robert de Niro como director. Capote, el primer largometraje del hasta entonces documentalista Bennett Miller, está basado en el libro Capote, una biografía, de Gerald Clarke, y trata sobre un capítulo de la vida del periodista y escritor gringo, a saber, la historia de su novela A sangre fría, que narra a su vez el asesinato de una familia en Kansas, según el testimonio de los propios asesinos. A sangre fría, precedente del llamado nuevo periodismo en Estados Unidos (que considera como “periodismo narrativo” al subgénero bautizado por su autor como “novela de no ficción”), había inspirado una película con el mismo título en 1967, dirigida y producida por Richard Brooks.

Zodiaco, por su parte, dirigida por un realizador de video clips y cintas como Alien 3 (1992), Se7en (1995) y El club de la pelea (1999), está basada en los libros de Robert Graysmith, Zodiac y Zodiac Unmasked, así como en una investigación propia de los realizadores (el director, el guionista y el productor) que duró un año y medio; pequeña diferencia con Capote, que fue filmada en 36 días, aunque la novela fue publicada en 1966, tras cinco años de investigación.

Como el referido asesinato de una familia en Kansas, aunque la ineptitud de la policía de San Francisco es de antología, el oscuro caso del Asesino del Zodiaco había inspirado una película en 1972: Dirty Harry o Harry el sucio, de Don Siegel, cuyo personaje no es homosexual, por cierto. ¿Cómo olvidar a Clint Eastwood en su emblemático papel de Macho Callahan setentero? Nada que ver con Zodiaco, ni con el boy scout, primero convertido en cartonista y después en escritor de best sellers, ahora interpretado por el actor de personalidad débil Jake Gyllenhaal (no es gratuito que a su personaje lo apodaran “El Tarado” en la vida real). El Asesino del Zodiaco debió de reírse mucho con Harry el sucio. Me pregunto si habrá visto Zodiaco.